Sie sind bereits als Solist mit dem Orchester in Werken von Elgar, Schumann, Tartini, Strauss und anderen aufgetreten. Wie wichtig sind Ihnen solche Abende, bei denen Sie die Reihen der Streicher verlassen?
Es ist immer eine Freude, vor – und mit – meinen Kollegen zu spielen. Man muss noch besser in Form sein als sonst [lacht], aber es geht nicht darum, sich in den Vordergrund zu stellen, der Blickpunkt aller Blicke zu sein. Wichtig ist, dem Publikum und den Musiker:innen ein authentisches, originelles Erlebnis zu bieten, indem man die Ideen des Komponisten so feinsinnig wie möglich umsetzt. Kurz gesagt: Es geht darum, sich in den Dienst der Musik zu stellen.

Wie bereitet man sich auf ein solches Konzert vor?
Genauso wie auf jedes andere. Ernsthaft gesagt: Ein Musiker – ob Solist oder im Orchester – ist wie ein Athlet. Nehmen wir Devon Larratt, den kanadischen Profi im Armdrücken: Man könnte denken, es komme nur auf den Bizeps an. Doch er selbst sagt, dass es darauf ankommt, sich jedes Ligaments, jeder Sehne, jedes Winkels des Arms bewusst zu sein. Beim Cello ist es im Grunde genauso.

Was verbindet Sie mit der Musik Schostakowitschs?
Sie begleitet mich seit meiner frühesten Kindheit: Schon als kleiner Junge in Bulgarien habe ich mich an seine Cellosonate und die Streichquartette gewagt, die ich im Radio hörte und auf Kassette aufnahm… Das erste, das ich spielte, war das siebte Quartett – es hat mich tief geprägt, weil es sich so sehr von dem unterschied, was ich sonst kannte. Doch erst während meines Studiums an der Guildhall School of Music & Drama in London (1995–1999) habe ich mich intensiv mit seinem Werk auseinandergesetzt, besonders unter der Anleitung von Stefan Popov, der selbst Schüler von Mstislav Rostropowitsch war. Seitdem ist Schostakowitsch zentral in meinem musikalischen Leben.

Zum Konzert: Schostakowitsch hat das 1. Cellokonzert vermutlich nach Prokofjews Sinfonia concertante (1952) in Angriff genommen…
Ja, in einem Interview mit der Sowetskaja kultura (Juni 1959) sagte er: ‚Dieses Werk hat mich völlig gefangen genommen und mir Lust gemacht, meine eigenen Fähigkeiten in diesem Genre zu erproben.‘ Doch vor allem hat er durch Rostropowitsch – für den die Sinfonia concertante geschrieben wurde – die Möglichkeiten des Instruments entdeckt. Ohne dessen außergewöhnliche Virtuosität hätte er das Konzert nicht so schreiben können. Man kann fast sagen, sie haben es gemeinsam komponiert [lacht]. ‚Slava‘ hat das Cello im 20. Jahrhundert revolutioniert – und für alle kommenden Jahrhunderte. Vor ihm wurde ganz anders gespielt.

Warum wollten Sie gerade das 1. Konzert spielen, das weniger populär ist als das 2.?
Das 2. Konzert ist introspektiv, eine durchgehende Linie vom Anfang bis zum Ende. Das 1. hingegen ist fragmentierter, dem Publikum direkt zugewandt. Es hat mich mein ganzes Leben begleitet, mich als Mensch und Musiker wachsen lassen. Mit diesem Werk habe ich 1998 an der Guildhall School meine Goldmedaille gewonnen. Es ist eine Herausforderung für den Solisten, eine Visitenkarte für mich – mit riesigen Kontrasten an Emotionen, Stilen und Farben über die vier Sätze hinweg.

Wie würden Sie jeden der vier Sätze kurz charakterisieren?
Der erste Satz ist ein Marsch, der an der Oberfläche fröhlich wirkt – bei Schostakowitsch ist Freude immer von dunklen Blitzen durchzogen – und sehr rhythmisch: Es gibt keinen Platz für Sentimentalität, das Stück läuft wie eine Maschine. Der zweite ähnelt einer traurigen Sarabande, der dritte ist eine lange, virtuose Kadenz, die alle Spieltechniken mobilisiert – Pizzicati mit rechter und linker Hand, Doppelsaiten usw. –, in der alle Themen des Konzerts wiederkehren. Der letzte Satz ist energiegeladen und enthält kaukasische Tänze sowie die georgische Melodie Suliko, die Stalin liebte – allerdings völlig dekonstruiert, als hätte man ein akademisches Porträt durch Picassos Mühle gedreht!

Welche sind Ihre Lieblingsaufnahmen des Werks?
Rostropowitschs etwa fünfzehn Aufnahmen – ob im Studio oder live: Jede Interpretation ist einzigartig. Ich hatte das Glück, ihn 1997 in London live zu erleben, als er zu seinem 70. Geburtstag ein ‚musikalisches Marathon‘ gab. Unvergesslich: Er hypnotisierte das Publikum… Es war eine unglaubliche Elektrizität, Dynamik und Innigkeit in seinem Spiel. Ein anderer Cellist, der mich prägt, ist Yo-Yo Ma: Rostropowitsch war wie ein unnahbarer Koloss auf der Bühne. Yo-Yo Ma ist vom Podest gestiegen und hat eine gemeinsame Erfahrung geschaffen – zwischen Publikum, Musiker:innen, Dirigent und Solist, die wie die vier Ecken eines Quadrats zusammenwirken. Jeder wird von dieser Musik mitgerissen, berührt…

Das Gespräch führte Hervé Lévy