Soloklarinettist des Orchestre philharmonique de Strasbourg, Sébastien Koebel, interpretiert Aaron Coplands Konzert in einem Programm mit amerikanischen Klangfarben. Ein Gespräch über ein neoklassizistisches Werk, das zahlreiche jazzige Elemente integriert.

Wie haben Sie Coplands Klarinettenkonzert entdeckt?
Ich habe mich in dieses Werk verliebt, als ich meinen Professor am Conservatoire de Paris, Richard Vieille, es im Konzert spielen hörte. Ich kannte es damals nicht, aber meine musikalische Bildung war zu dieser Zeit wohl noch nicht sehr umfangreich [lacht]. Etwas später bekam ich die Aufnahme geschenkt... Seitdem begleitet mich dieses Konzert: Ich habe es zum Beispiel 1999 für mein Diplom am Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris gespielt.

Welche Aufnahmen haben Sie besonders geprägt?
Die erste Aufnahme, die ich entdeckte, war die von Philippe Cuper – damals gab es nicht gerade unzählige Einspielungen [lacht]. Besonders beeindruckend sind auch die beiden Aufnahmen von Benny Goodman, für den das Werk geschrieben wurde. Die Version mit Copland am Pult des Columbia String Orchestra ist außergewöhnlich. Man spürt, dass zwischen ihnen etwas Besonderes geschieht. Benny Goodman, der ursprünglich ein Jazzmusiker war, geht nicht zu weit in die jazzige Richtung – im Gegensatz zu manchen anderen, die es ein wenig übertreiben... bis hin zum schlechten Geschmack [lacht]. Genau darin liegt die Schwierigkeit dieses Werks: Es muss swingen, aber nicht zu sehr!

Wie würden Sie dieses Konzert beschreiben?
Die Mischung aus Neoklassizismus und Jazz ist äußerst feinfühlig, aber das Erstaunlichste ist, dass hier Jazz erklingt, ohne dass es Schlagzeug oder Blechbläser gibt – nur ein Streichorchester mit Harfe und Klavier! Die perkussiven Elemente entstehen durch das Slapping der Kontrabassisten und, in geringerem Maße, durch eine ähnliche Technik auf der Harfe.

Man hört auch einige südamerikanische Einflüsse…
Ja, vereinzelt gibt es Spuren davon, die daran erinnern, dass Copland 1947, als er die ersten Skizzen für das Werk schrieb, in Rio de Janeiro war. Am wichtigsten ist jedoch die Form des Konzerts: Es besteht aus zwei Sätzen, die durch eine Kadenz verbunden sind. Während der erste Satz sehr „brav“ ist, geht der zweite in alle Richtungen – hier wird die Klarinette an ihre Grenzen gebracht.

Berlioz schrieb in seinem „Traité d’instrumentation et d’orchestration“, dass die Klarinette „unter allen Blasinstrumenten am besten in der Lage ist, den Ton entstehen zu lassen, anzuschwellen, abzunehmen und zu verschwinden“. Ist dieses Konzert besonders anspruchsvoll?
Technisch gesehen ist es nicht das Schwierigste. Die größte Herausforderung liegt im Stil – genau wie wir es vorhin besprochen haben: Man darf die Zügel nicht schleifen lassen, nicht zu weit gehen.

Wie bereitet man sich auf ein solches Konzert vor?
Man arbeitet sehr viel [lacht]! Es ist eine mentale, physische und muskuläre Vorbereitung... Ich habe vor 30 Jahren angefangen, dieses Konzert zu erarbeiten, aber in den letzten Monaten war es in jeder Minute des Tages präsent.

Was bedeutet für Sie das Wort „interpretieren“?
Es ist essenziell, zu versuchen, in den Kopf des Komponisten einzutauchen. Deshalb sind die beiden Aufnahmen von Benny Goodman so wichtig – er hatte direkten Kontakt mit Copland. Die Partitur ist natürlich zentral, sie ist die primäre Quelle... Sobald ich mich von ihr entferne, holt mich der Text wieder ein. Ich gehe von dort aus, aber es gibt immer Raum, die Dinge zu hinterfragen [lacht].

Sind Konzerte wie dieses, in denen Sie als Solist mit Ihren Orchesterkollegen spielen, ein besonderer Moment für Sie?Es ist immer schwieriger, vor der eigenen „Familie“ zu spielen als am anderen Ende der Welt, mit unbekannten Musikern, vor einem unbekannten Publikum, in einem unbekannten Konzertsaal. Es ist eine Herausforderung und ein Moment der Selbstreflexion: Man steht völlig entblößt da... Aber für mich ist es vor allem ein großer Moment des Vergnügens, dieses Konzert zu spielen!

Gespräch geführt von Hervé Lévy